Handlung: Tony Stark ist zum Held der Nation geworden. Nicht nur wegen seiner erfolgreichen Kämpfe gegen die Bösewichte Obadiah Stane und Whiplash, sondern auch da er mit den Avengers eine außerirdische Invasion verhindert hat. Doch ans Ausruhen denkt er ganz und gar nicht. Lieber tüftelt er an neuen Kampfanzügen und vernachlässigt dabei sogar seine große Liebe Pepper. Noch dazu quälen Tony Alpträume und Panikattacken, die ihm ein sorgenfreies Leben unmöglich machen. Als dann der Mandarin, ein skrupelloser Terrorist, das gesamte Land bedroht, fühlt sich Stark in der Pflicht zu helfen und fordert ihn heraus. Die Antwort lässt nicht lange auf sich warten. Die Handlanger des Mandarin verwandeln sein Anwesen in Schutt und Asche. Iron Man entkommt nur knapp und landet mit einem Prototypen seines Anzuges in Tennessee, wo er sich erst mal ohne Hightech durchschlagen muss und dabei versucht, dem Mandarin und seinem Plan auf die Spur zu kommen.

Kritik: Wenn große Helden ein Abenteuer bestehen, dann lockt das im Normalfall viele Neugierige ins Kino. Im Fall von „Iron Man“, einem Helden der seine Überlegenheit dem eigenen Erfindergeist und keiner Superfähigkeit zu verdanken hat, ist es nun das dritte Filmabenteuer, das die Herzen der Fans höher schlagen lassen soll. Shane Black nahm dazu auf dem Regiestuhl Platz und traf beim Schreiben des Drehbuchs zusammen mit seinem Co-Autor Drew Pearce die kluge Entscheidung, den Menschen Tony Stark in den Vordergrund zu rücken. So wird der als gezeichneter Mann charakterisiert, der mit Albträumen, Panikattacken und Selbstzweifeln zu kämpfen hat und sich in vielen Fällen in seinen Iron-Man-Anzügen verschanzt. Doch dann zwingen ihn die Geschehnisse dazu, noch einmal umzudenken und plötzlich hantiert er wieder mit Leim, Draht und Batterien aus dem Baumarkt, um sich gegen seine Feinde verteidigen zu können. Bei alledem ist Robert Downey Jr. einmal mehr in Hochform. An Coolness und Wortwitz nicht zu überbieten, weiß er dennoch auch in emotionalen und ernsten Szenen zu überzeugen. Schon alleine ihm zuzusehen, macht richtig viel Spaß.

Dazu kommen Gwyneth Paltrow als Pepper, Guy Pearce als Bösewicht Aldrich und Ben Kingsley als Mandarin. Gerade letzterer macht seine Sache richtig gut und bringt weiteren Pepp in den Film. Nichtsdestotrotz kommen Action und Effekte auch im dritten Teil der Iron Man-Reihe nicht zu kurz und sie überzeugen in gewohnter Weise. Im Mittelpunkt stehen aber ganz klar der Mensch Tony Stark und sein Weg zur Erlösung, zu einem ausgeglichen Gemüt. Als Bonbon oben drauf läuft „Iron Man 3“ in 3D in den Kinos. Auch wenn dagegen nichts einzuwenden ist, zeigt der Effekt doch nicht so große Wirkung wie in anderen 3D-Realverfilmungen. Was die Handlung angeht, hat der Film ein paar wirkungsvolle Überraschungen zu bieten, zudem halten sich Actionszenen, Humor und Ernsthaftigkeit angenehm die Waage. Die 131 Minuten vergehen wie im Flug und einziger Wehrmutstropfen ist dann eigentlich nur das Ende in dem sich einfach alles unerklärlich leicht zum Guten wendet. Zudem stellt sich dadurch die Frage, ob es das nun war mit Iron Man. Was sich dann aber wieder lohnt, ist es, bis zum Ende des Abspanns sitzen zu bleiben. Das dritte Abenteuer von „Iron Man“ ist trotz kleiner Abzüge ein absolut unterhaltsamer Filmspaß mit einem souveränen Auftritt von Robert Downey Jr., der diesen Helden mit seinen Charakteristika erst zu dem macht, was er ist.

5 von 6 Sternen

Kinostart: 1. Mai 2013

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Copyright Poster + Trailer: Concorde Filmverleih

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Handlung: Eigentlich könnte Emily richtig glücklich sein. Nach vier Jahren Haftstrafe wegen Insiderhandel ist ihr Mann Martin endlich wieder auf freiem Fuß. Doch schon kurz nach der ersten Wiedersehensfreude, stellen sich bei der jungen Frau Depressionen ein. Ein Grund dafür ist vor allem der Lebenswandel, den sie durchleben musste, als ihr Martin ins Gefängnis kam. Nach einem lockeren Leben in Luxus und Sorglosigkeit folgte der Abstieg zu einem wesentlich einfacheren Leben. Nachdem Emily sogar mit ihrem Auto gegen die Wand eines Parkhauses brettert, nimmt der Psychiater Dr. Jonathan Banks sie in Behandlung. Nachdem seine Methoden wenig fruchten, holt er sich Rat bei Emilys alter Psychologin Dr. Victoria Siebert. Die bringt ihn auf ein neues Medikament, das besonders gut bei Depressionen wirken soll. Es scheint bei der jungen Frau zu wirken, doch dann zeigen sich ungeahnte Nebenwirkungen.

Kritik: Bei manchen Filmen reichen wenige Minuten und schon ist klar, ob man sich auf lachen, weinen oder pure Action einstellen muss. Bei „Side Effects“ liegt der Fall etwas anders. Auch nach über 15 Minuten bleibt die Frage nach dem Genre und wohin es geht, offen. Ist es ein Drama, ein Thriller oder vielleicht doch ein Beziehungsfilm? Genau diese Ausgangslage macht die angeblich letzte Regiearbeit von Steven Soderbergh („Solaris“, „Ocean‘s Twelve“) zunächst reizvoll und interessant. Von Beginn an ist Rooney Mara (die in der US-Version von „Verblendung“ bereits die anspruchsvolle Rolle der gepeinigten Lisbeth Salander übernommen hat) das präsente Gesicht und sie macht ihre Sache verdammt gut. Gerade angesichts der Wendungen, die der Film noch mit sich bringt, ist ihre Rolle sehr facettenreich angelegt, und sie schafft es sehr gut, dies auszufüllen. Angefangen von der tieftraurigen und zerbrechlichen Frau bis hin zur wütenden Furie kann sie allen Regungen Glaubwürdigkeit verleihen. Angesichts dieser Leistung rücken die übrigen Darsteller etwas in den Hintergrund. Jude Law („Sherlock Holmes“) kann sich noch recht gut als smarter und gutherziger Psychologe behaupten, was aber auch daran liegt, dass der Fokus sich immer weiter auf seine Figur verlagert. Über die Leistung von Catherine Zeta-Jones und Channing Tatum hingegen kann man wenig sagen, da sie sehr untergeordnet sind. Sie fallen zumindest nicht negativ auf.

 Im Verlauf von „Side Effects“ wird einem schnell klar, dass die Geschichte noch ein paar Überraschungen parat hat und wie das so ist mit einem großen Filmrepertoire im Hinterkopf, rattern die Rädchen schnell, um alles zu entwirren. Wer sich dabei ein klein wenig Mühe gibt, für den wird die Auflösung des Filmes keine allzu große Überraschung sein. Das wäre für sich genommen ja nicht so tragisch, allerdings gestaltet sich der Weg zu diesem Aha-Erlebnis ein wenig steinig. Immer wieder fehlt es dem Film – inzwischen kann man ihn guten Gewissens als Thriller bezeichnen – an Spannung. Viel mehr plätschert die Handlung, die viel zu oft zwischen unterschiedlichen Schauplätzen hin- und herwechseln muss, bis alles wirklich zusammenläuft, so dahin und lässt den Nervenkitzel ein wenig vermissen. Das macht „Side Effects“ nicht total schlecht oder verkehrt, aber man wird das Gefühl nicht los, dass es noch um einiges besser hätte werden können. Positiv hervorzuheben ist jedoch das übergeordnete Thema, das leise aber konstant mitschwingt: Der zunehmende Konsum von Psychopharmaka, der den Menschen hilft, zu funktionieren und allen Anforderungen standzuhalten. Keiner der Darsteller wird so recht aus dieser Kritik herausgehalten und angesichts der Wendungen, bekommt diese Kritik eine zusätzlich wirkungsvolle Komponente. Hierfür gibt es keine Lösung, kein Happy End und genau das ist die einzig richtige Entscheidung. Inhaltlich ist der Film also durchaus respektabel, aber die erzählerische Umsetzung ist trotz gewisser Raffinessen nicht vollkommen gelungen.

 4 von 6 Sternen

 Kinostart: 25. April 2013

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Copyright Poster + Trailer: Senator Film

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Handlung: Bei Nat und Josh ging alles ziemlich schnell: Verliebt, verlobt und nun verheiratet – und das alles in nur neun Monaten. Kein Wunder, dass Familie und Freunde etwas skeptisch sind und hinter vorgehaltener Hand darüber spekulieren, wie lange das gut gehen kann. Und als hätte all das unken gefruchtet, geht es bei dem frisch verheirateten Paar schnell bergab: Während Nat zielstrebig und diszipliniert an ihrer Karriere arbeitet, hängt Josh lieber ab um Ideen für seinen neuen Roman zu bekommen. Als dann auch noch der attraktive Guy in Nats Leben tritt und ihr eindeutige Avancen macht, kommen immer mehr Zweifel auf. Josh hingegen hängt noch sehr an seiner Ex-Freundin und lässt sich zu einem Kuss hinreißen, als sie in Dessous vor ihm steht. Doch trotz allem will das Ehepaar um seine Liebe kämpfen und vor allem das kritische erste Jahr überstehen…

Kritik: Die britische Beziehungskomödie „Das hält kein Jahr“ fängt da an, wo viele Filme dieses Genres enden: Bei der kitschigen Hochzeit inklusive peinlichem Trauzeugen, feiernden Gästen und rührenden Reden. Dass es bei den glückseligen Gefühlen nicht bleibt, ist jedem klar und so widmet sich der Film unter der Regie von Dan Mazer einem eher ungewöhnlichen Thema: Den Tücken des Lebens als frischverheiratetes Paar. Wer einen komplett albernen Film von Mazer – immerhin Regisseur von „Da Ali G Show“ und als Produzent auch an „Borat“, „Brüno“ und „Der Diktator“ beteiligt – erwartet, wird eines besseren belehrt; allerdings geht es in seiner ersten Romantik-Komödie auch nicht ohne Albernheiten. Daraus ergibt sich ein etwas unausgewogenes Werk, das zwischen Ernsthaftigkeit und Farce hin- und her taumelt. Positiv herauszuheben sind jedoch die Darsteller, allen voran Anna Faris, die beweist, dass sie mehr sein kann, als nur die Ulknudel bei sämtlichen „Scary Movie“-Teilen und Simon Baker als smarter Guy. Rose Byrne („Brautalarm“) und Rafe Spall („Prometheus“) versinken hingegen leider oftmals in Klischee-Gehabe, beispielsweise wenn er als Betrunkener den Vollproll gibt. Hier liegt auch ein grundlegendes Problem des Filmes: Die Figuren werden so zurechtgebogen, wie sie für die jeweilige Szenarie gebraucht werden. Von einer realistischen Figurenzeichnung ist das zusammenhängend gesehen aber weit entfernt.

Angesichts der enorm hohen Scheidungsrate ist das Thema von „Das hält kein Jahr“ sicherlich am Puls der Zeit, die Frage ist nur, ob Mazer adäquat damit umgeht. Offenbar wollte er auf einer ernsten Ebene viele witzige Elemente einbauen und entgegen aller üblichen Regeln die Trennung des Paares als Happy End fungieren lassen. Das funktioniert zeitweise ganz gut, ist unterhaltsam und zeitweise richtig lustig. Aber andere Dinge funktionieren wieder nicht. Manche Figuren, wie das befreundete Ehepaar (gespielt von Minnie Driver und Jason Fleyming), dass sich augenscheinlich nur Hass entgegenbringt, eigentlich aber doch von ganzem Herzen liebt, sind viel zu überspitzt. Der Trauzeuge Danny ist ebenfalls eher nervig mit seinen von Anzüglichkeiten gespickten Monologen (Darsteller Stephen Merchant ist im echten Leben Komiker), bei denen man vergebens auf eine echte Pointe wartet. Dazu kommen weitere Randfiguren, wie die Paartherapeutin, die selbst die dicksten Beziehungsprobleme hat. So etwas hat man schon so oft gesehen, dass es nicht mehr sonderlich erfrischend komisch, sondern eher nervig in seiner Übertreibung wirkt.

Vor allem am Ende rutscht der Film merklich ab und veralbert sich selbst und damit auch alles, was er vorher aufgebaut hat. Plötzlich sind Ehe, Liebe und Treue nur noch Ansatzpunkte für obskure Verwicklungen, die Lacher erzeugen sollen. Was bis zu einem gewissen Maß an anderer Stelle funktioniert, wirkt dann überzogen und deplatziert. Romantik kommt in diesem Gewusel nicht auf und somit hinterlässt vor allem die letzte Viertel Stunde des Filmes einen faden Beigeschmack. Genau da, wo die Chance bestand, all das Liebesreigen – egal wie albern oder ernst – gelungen zusammenlaufen und geschickt enden zu lassen, verliert sich „Das hält kein Jahr“ in einer Posse, einem kurzweiligen Sketch, der höchstens aussagt: Liebe ist vergänglich und wer enttäuscht wird, sollte sich schnellstens was neues suchen, damit es nicht so weh tut. Eine dünne und fragwürdige Quintessenz.

3 von 6 Sternen

Kinostart: 18. April 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Studiocanal

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Handlung: Oscar Diggs, von allen nur Oz genannt, ist Zauberer auf dem Jahrmarkt. Während die Zuschauer begeistert sind von seinen Künsten, entpuppt sich Oz hinter den Kulissen nicht gerade als einfacher Zeitgeselle. Für seinen Assistenten Frank hat er wenig warme Worte übrig und Frauen wickelt er reihenweise um den Finger um sich mit ihnen kurzfristig zu vergnügen und sie in seine Zaubershow einzubinden. Doch dann gerät Oz in einen Wirbelsturm und landet auf wundersame Weise in einer fantastischen, fremden Welt, die seinen Namen trägt. Dort verbreitet sich seine Ankunft in Windeseile, denn laut einer Prophezeiung soll eines Tages ein Zauberer vom Himmel fallen und die Bewohner von der Herrschaft der bösen Hexe befreien. Den egoistischen Oz, der schon lange von Ruhm und Reichtum träumt, treibt vor allem die Aussicht auf den Thron und das Gold in der Schatzkammer an. Obwohl er kein echter Magier ist, willigt er ein, die böse Hexe zu bekämpfen. Doch bevor es soweit ist, muss Oz noch einige Abenteuer bestehen und reichlich Überraschungen erleben.

Kritik: 74 Jahre ist es her, dass das Mädchen Dorothy aus Kansas dank eines Sturms in das magische Land Oz gelangt und dort allerhand Aberwitziges erlebt. Der Film „Der Zauberer von Oz“ aus dem Jahr 1939 ist fast jedem ein Begriff und die Szene, in der Judy Garland mit der Vogelscheuche, dem Löwen und dem Blechmann Arm in Arm herumtanzt, ist ein Teil der Filmgeschichte. Nun wagte sich Regisseur Sam Raimi (eher ein Spezialist für Horrorfilme wie „Tanz der Teufel“ und „Armee der Finsternis“) an ein inoffizielles Prequel und drehte die Vorgeschichte mithilfe von Animationstechnik und in 3D. Entstanden ist dabei ein über zweistündiger Film, der erzählt, wie der Zauberer nach Oz kam und wie er sich dort behaupten konnte, und das alles im Stil von „Alice im Wunderland“ – echte Schauspieler in einer am Computer geschaffenen, bunten und fantasievollen Umgebung. Allerdings wurden bei Raimis Film Teile der Kulisse tatsächlich gebaut und wirken auch dem eher schädlichen Eindruck einer zu künstlichen Welt entgegen. Während Alice nun eine recht blasse Titelfigur bleibt, die eher künstlich zur triumphierenden Heldin emporgehoben wird, gibt James Franco seinem Charakter interessante Züge und viel Tiefe. Überhaupt hat Franco, der in „Spring Breakers“ derzeit in einer denkbar gegensätzlichen Rolle ebenfalls im Kino zu sehen ist, eine besondere Leinwandpräsenz, womit er gut durch die auf ihn gemünzte Geschichte führen kann.

 Dazu gesellen sich Mila Kunis („Black Swan“), Rachel Weisz („360“) und Michelle Williams als Hexen-Trio mit kontrastreichen Eigenschaften. Während Williams als Blondine klassischerweise die gütige Fee verkörpert – und das wesentlich glaubhafter und angenehmer als Anne Hathaway als weiße Königin im Wunderland – kann Weisz mal richtig böse und niederträchtig sein. Kunis macht sogar beides durch und wird durch ihr gebrochenes Herz zur wahrhaftigen Bösartigkeit getrieben. Ihre Paraderolle ist das vielleicht nicht gerade, aber immerhin durfte sie Mut zur Hässlichkeit beweisen. Um beim Vergleich mit „Alice im Wunderland“ zu bleiben: Bleibt die Handlung hier doch ziemlich flach und vorhersehbar, so ist „Die fantastische Welt von Oz“ vielschichtiger. Immer wieder gibt es Parallelen zwischen der normalen Welt und den Ereignissen in Oz. So kann der Zauberer zwar einem kleinen Mädchen im Rollstuhl nicht dazu verhelfen, wieder zu laufen, aber in Oz kann er einem kleinen Porzellanmädchen die abgebrochenen Beine wieder ankleben – für sie reine Zauberei. Der Film ist amüsant und anrührend, hat aber auch Tiefgang. So verfliegen die 130 Minuten dank der guten Darsteller und deren Entwicklung nur so. Fast traurig ist einem zumute, wenn die farbenfrohe Reise durch Oz zu Ende geht. Noch interessanter wird der Blick auf den Film bei dem Gedanken daran, dass Oscar möglicherweise nur in einer eingebildeten Fantasiewelt gelandet ist. Denn kann es real sein, dass er nun das erlebt, was er sich immer erträumt hat? Das bleibt wohl Auslegungssache.

5 von 6 Sternen

Kinostart: 7. März 2013

 Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Walt Disney Studios

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Handlung: Die drei Freundinnen Candy, Brit und Cotty wünschen sich nichts mehr, als zum berüchtigten Spring Break nach Florida zu fahren und dort ordentlich mitzufeiern – Hauptsache weg aus dem immergleichen Alltag mit langwierigen Vorlesungen und dem elendigen Büffeln. Leider hat das Trio nicht sonderlich viel Geld angespart und so überfallen sie kurzerhand einen Diner um ihre Reise finanzieren zu können. Schließlich schnappen sie sich noch ihre weitaus schüchterne Freundin Faith und brechen auf zum exzessiven Feiern. Erst läuft alles wie geplant, doch dann werden die Mädchen verhaftet. Unverhofft zahlt der abgedrehte Alien ihre Kaution, im Gegenzug kommen sie mit ihm. Während Faith alles andere als begeistert ist, lassen sich die übrigen Mädchen von dem ausschweifenden Lebensstil des Rappers und Drogendealers beeindrucken und tauchen immer mehr in dessen Welt ein, die allerdings auch einige Gefahren birgt.

Kritik: Der Spring Break ist nichts für schwache Nerven oder verklemmte Menschen, denn hier stürzen sich junge Menschen leicht bekleidet in einen Partyrausch, bei dem niemand ohne Alkohol und weitere Drogen auskommt. Wenn nun ein Film „Spring Breakers“ heißt und dann auch noch von Regisseur Harmony Korine gedreht wurde (der beispielsweise das Drehbuch zum reichlich derben Drama „Kids“ geschrieben hat), dann läßt sich erahnen, dass es sich hier nicht um einen konventionellen Film nach Schema F handelt. Allerdings schickt Korine das Publikum auch nicht für 90 Minuten in einen totalen Partyrausch – er startet aber damit. Zunächst droht der Film zu überfordern. Mit ungewohnt häufigen Nahaufnahmen, verwackelten Einstellungen und einer Erzählweise, die aller Chronologie entsagt. Da muss man schon ein wenig durchhalten und auch wenn sich erahnen lässt, dass diese Darstellungsweise die Rastlosigkeit der jungen Protagonistinnen zeigen soll, so mag es dennoch nicht so recht überzeugen. Denn Candy (Vanessa Hudgens), Brit, Cotty und Faith (Selena Gomez) sind so überspitzt in ihrer frechen und rebellischen Art dargestellt, dass man sie kaum ernst nehmen kann.

Beim Spring Break angekommen, entwickelt sich die Geschichte schon bald in eine andere Richtung, denn der obskure Alien kommt ins Spiel. Er ist zwar eine ebenso überspitzt und karikaturistisch angelegte Figur wie die Mädels, die sich lächelnd „Bitches“ nennen lassen und am liebsten im Geld räkeln, aber James Franco spielt ihn so gut, dass es bei ihm wesentlich unterhaltsamer ist, zuzusehen. Gerade angesichts der Tatsache, dass Franco als verbitteter Gegenspieler in „Spiderman“ und als netter Magier in „Der Zauberer von Oz“ bisher so anders auftrat, ist seine Verwandlung in den coolen Gangster mit am Kopf geflochtenen Zöpfen, Tatoos und Goldgebiss bemerkenswert. Er wird zum idealen Gegenpart zu den leichtbekleideten Mädels und gemeinsam haben sie ein paar intensive und fesselnde Szenen. Die Handlung hat dennoch ihre Schwachpunkte, das macht auch eine experimentelle Erzählweise nicht wett, die einerseits anstrengend, aber auch interessant ist. Die bassreichen Lieder drücken einen in den Sitz und wenn die Kamera einmal wieder scheinbar ziellos umherwandert und lediglich verwischte Momente einfängt, dann versucht man automatisch einen Ruhepunkt zu finden.

„Spring Breakers“ setzt auf Frauenpower, das verdeutlicht trotz aller Überspitzung und klischeehafter Abbildung der Menschen, vor allem das Ende. Doch eigentlich ist James Franco der Star des Filmes und die süßen Mädels scheitern – zumindest gefühlt – an ihrem jugendlichen Leichtsinn. Dass zwei der vier tabulosen Damen schon frühzeitig den Schauplatz verlassen (der inzwischen schon längst nicht mehr der Spring Break ist) wirkt irgendwie unbefriedigend und alles in allem fehlt dem Ganzen Moral. Vielleicht war Regisseur Korine darauf nicht aus, doch wenn es ihm stattdessen um einen rauschartigen Film ging, dann hätte er bei der erzählten Geschichte andere Akzente setzen müssen. So geht es vor allem um kaputte Menschen, mit seltsamen Idealen. Das erscheint fremdartig und fragwürdig, bleibt aber dennoch – oder gerade deswegen – im Gedächtnis haften. Wenn man beispielsweise Britney Spears eine ihrer weltbekannten Balladen schmettern hört und dazu die Mädels mit rosa Masken getarnt und von Alien begleitet Menschen ausrauben und knebeln sieht, dann ist das schon grandios. So etwas macht „Spring Breakers“ beeindruckend, setzt Glanzpunkte, aber auf voller Strecke überzeugt dieser Film allein dadurch nicht.

4 von 6 Sternen

Kinostart: 21. März 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Wild Bunch Germany

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Handlung: Die Geschwister Hänsel und Gretel werden in einer Nacht- und Nebelaktion von ihrem Vater in den Wald gebracht und dort zurückgelassen. Als sie an einem verlassenen Häuschen aus Süßigkeiten naschen, geraten sie in die Fänge einer furchteinflößenden Hexe. Hänsel wird fortan gemästet, Gretel muss als Bedienstete schuften. Doch dann gelingt den Beiden die Flucht aus den Fängen der Alten – die landet im eigenen Ofen und muss qualvoll verbrennen. Von nun an macht es sich das unerschrockene Geschwisterpaar zur Aufgabe, Hexen zur Strecke zu bringen. Sie werden als Helden gefeiert und ziehen in der Rolle von Kopfgeldjägern durchs Land um entführte Kinder zu befreien und die Bürger vor den gefährlichen Hexenweibern zu beschützen. Doch dann werden Hänsel und Gretel damit beauftragt, das Verschwinden von gleich elf Kindern aufzuklären. Die Hexenjäger müssen all ihr Wissen und ihre Waffen nutzen, um diesem Fall auf die Spur zu kommen. Sie erkennen fast zu spät, dass selbst viel stärker in diese Hexenmachenschaften verwickelt sind, als sie zunächst dachten.

Kritik: Wer jemals Märchen gelesen – oder vorgelesen bekommen – hat, der ist an gewissen „Klassikern“ nicht vorbei gekommen. „Hänsel und Gretel“ ist so ein Klassiker. Und nachdem bereits das nicht minder bekannte Schneewittchen Stoff für Kinofilme wie „Spieglein Spieglein – Die wirklich wahre Geschichte von Schneewittchen“ bot, muss nun das Geschwisterpaar herhalten. Regisseur Tommy Wirkola, der bisher lediglich den weniger bekannten Splatterfilm „Dead Snow“ gedreht hat, spinnt deren Geschichte einfach weiter, lässt sie erwachsen und zu selbstbewussten Hexenjägern werden. Ähnlich wie bei „Snow White and the Huntsman“ sowie „Brother Grimm“ geht die Märchenadaption mit düsteren und morbiden Kulissen einher und hat ein paar raffinierte wenn auch skurrile Ideen. Das reicht von der Tatsache, dass Hänsel aufgrund seiner recht einseitigen Ernährung während der Gefangenschaft bei der Hexe an Diabetes erkrankt ist und regelmäßig Spritzen setzen muss, über verzerrte Hexenfratzen und gutherzige Trolle bis hin zum Clou der Geschichte. Obwohl der Film hierzulande ab 16 Jahre freigegeben wurde, gibt es einige recht derbe, wenn auch augenzwinkernde Splatterszenen.

Allerdings hat „Hänsel und Gretel“ eine denkbar schlichte Handlung, in der nicht viel Zeit darauf verwendet wird, den Figuren einen ausgefeilten Charakter zu geben. Zeit wäre dafür durchaus noch gewesen, ist der Fantasystreifen mit 93 Minuten Laufzeit beinahe etwas zu knapp geraten. Das Gewicht liegt ganz deutlich bei den Actionszenen, wobei die auch nicht in voller Breite überzeugen können. So dann und wann enden sie so abrupt wie sie angefangen haben, wirken sogar regelrecht geschnitten. Gretel ist die geübte Kampfamazone, Hänsel der coole Held, der immer ein Auge auf seine Schwester hat. Dass die Zwei durchaus gezeichnet sind von den Erlebnissen in ihrer Kindheit, wird erst nach und nach deutlich. Daraus entwickelt sich dann aber kein Drama, sondern es ist vor allem zielführend für den sich zuspitzenden Konflikt. Für die Hauptrollen konnte der Regisseur Jeremy Renner („The Avengers“) und Gemma Arterton („Prince of Persia“) gewinnen. Zudem sind Famke Janssen („X-men“), Peter Stormare (der bereits bei „Brother Grimm“ Märchenerfahrung sammeln konnte und Newcomer Thomas Mann (einer der Feierwütigen aus „Project X“) dabei. Dieses beachtliche Ensemble sorgt im Film für Spaß, dazu kommt die gute Tricktechnik, die in 3D noch mehr Wirkkraft hat und in eine gelungene Fantasiewelt versetzt. Wehrmutstropfen sind, dass die Handlung sehr einfach und ab einem gewissen Punkt recht vorhersehbar ist. So kurzweilig wie die Action und die Charakterisierung der Figuren ist der komplette Film geraten. Das große Finale ist allerdings recht gelungen und ansehnlich für Splatterfreunde. Manchmal tut ein Film ja auch genug, wenn er für die Dauer des Zusehens unterhält und spannend gestaltet ist. Das schafft „Hänsel und Gretel“, auch wenn an der einen oder anderen Stelle sicher noch hätte gefeilt werden können. Interessant ist es allemal zu sehen, was aus einem deutschen Volksmärchen wird wenn Hollywood ins Spiel kommt.

4 von 6 Sternen

Kinostart: 28. Januar 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Paramount Pictures

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Handlung: Der Zweite Weltkrieg ist vorbei. Freddie Quell ist einer von vielen Ex-Soldaten, die mit einem Mal zurück ins normale Leben geworfen werden. Gezeichnet von den Ereignissen hangelt sich Freddie mit Aushilfsjobs von Tag zu Tag, ohne Alkohol geht gar nichts mehr und am allermeisten sehnt er sich nach einer Frau, die ihm Halt gibt aber auch seine sexuellen Sehnsüchte befriedigt. Doch dann lernt der labile Ex-Soldat eher zufällig den charismatischen Lancaster Dodd kennen. Der hat – vorwiegend zusammen mit seinem Familienclan – eine Glaubensgemeinschaft namens „The Cause“ gegründet, die beispielsweise an Wiedergeburt glauben. Die beiden Männer liegen auf einer Wellenlänge: Während Dodd in Freddie ein wunderbar verirrtes Schaf erkennt, dass es zu retten gilt, fühlt sich der Ex-Marine im Clan des selbsterklärten Anführers mit vielen Talenten, geborgen und gut aufgehoben. Doch mit der Zeit steigert er sich immer mehr in die Lehren von „The Cause“ und wird für die Gruppe zum unberechenbaren Glied.

Kritik: Auf das Konto von Regisseur Paul Thomas Anderson gehen nicht allzu viele Filme. Das liegt angeblich daran, dass er sich seine Projekte sehr genau aussucht und intensiv mit ihnen beschäftigt. Zuletzt machte er mit dem Öl-Drama „There will be blood“ auf sich aufmerksam und verhalf Daniel Day Lewis (dieses Jahr mit seiner Rolle in „Lincoln“ im Oscar-Rennen dabei) damit zum Oscar für die beste männliche Hauptrolle. Mit seinem neusten Regiewerk „The Master“ könnte er das gleiche schaffen: Hauptdarsteller Joaquin Phoenix ist nominiert und das völlig zu Recht. Er spielt den labilen Ex-Soldat Freddie Quell nicht, er ist es für die Dauer des Filmes einfach: ein alkoholkranker, beeinflussbarer Mann, der undeutlich nuschelt, seinen Mund beim Lächeln seltsam verzieht und stets leicht geduckt läuft, als wolle er nicht weiter auffallen. Philip Seymour Hoffman als Sektenführer und Amy Adams als seine Frau Peggy, die im Hintergrund die Fäden zieht, fallen ebenfalls positiv auf und liefern herausragend gute Leistungen ab. Schauspielerisch ist das Drama also eindeutig gelungen.

Die Geschichte hingegen lässt zu wünschen übrig. Über fast 140 Minuten erstreckt sich das Zusammenspiel zwischen den Gegenparts Freddie und Dodd. Schon recht früh stellt sich einem die Frage, was die Beiden eigentlich so fest zusammenhält. Denn aus der eher zufälligen Begegnung wird eine Freundschaft – böswillig eher als Abhängigkeit zu bezeichnen – die eine Menge Widerstände und Probleme überwindet. Schließlich will Dodd Freddie „therapieren“, was zwar die fragwürdigen Methoden der Gemeinschaft entlarvt, aber insgesamt eher wenig Bedeutung hat. Hier wird deutlich, dass „The Master“ eine übergeordnete Moral vermissen lässt. Denn die Sekte – die angeblich Bezüge zu Scientology haben soll – bleibt wie sie ist, und auf der anderen Seite macht auch Freddy kaum eine Entwicklung durch. Somit ist der Film eher eine Parade für schauspielerische Einzelleistungen, aber weniger ein schlüssiges und in sich geschlossenes Drama. Das sorgt über kurz und lang auch dafür, dass sich „The Master“ in die Länge zieht und gegen Ende nicht mehr so recht bei der Stange halten kann. Somit ist Andersons neustes Regiewerk zwar sehenswert was die schauspielerischen Leistungen angeht, aber weniger reizvoll was den Filmverlauf und die dramaturgische Entwicklung betrifft. Schade, denn mit einer besseren Geschichte und einem ordentlichen Spannungsbogen hätte das Drama das Zeug zu einem respektablen Oscaranwärter gehabt.

4 von 6 Sternen

Kinostart: 21. Februar 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Senator Film

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Handlung: Ende 1864: Abraham Lincoln ist gerade erst in eine weitere Amtszeit als Präsident der Vereinigten Staaten wiedergewählt worden. Leicht hat er es auf seinem hohen Posten nicht, denn seit nunmehr drei Jahren tobt der Bürgerkrieg zwischen den Nord- und Südstaaten. Einer der Gründe ist die Sklaverei und genau da setzt Lincoln an: Er will sie abschaffen. Doch damit stößt er auf große Ablehnung, sogar bei den Parteigenossen. Doch der Präsident setzt sich unermüdlich dafür ein, dass Schwarze endlich freie Menschen sind und nicht mehr das Eigentum der Weißen. Nur wenige Wochen bleiben ihm für eine Mehrheit im Parlament. Um überhaupt eine Chance zu haben, schreckt er auch vor unerlaubten Mitteln nicht zurück. Hinter den Kulissen der denkwürdigen Abstimmung muss Lincoln all seine Kraft und Überzeugungsarbeit aufwarten und sogar das vorzeitige Ende des Krieges abwenden. Daneben macht ihm auch die Familie das Leben nicht leicht: Sein Sohn Robert möchte unbedingt Kriegsdienst leisten, Lincolns labile Frau will das aber nicht zulassen und setzt ihren Mann zusätzlich unter Druck.

Kritik: Vor mehr als zehn Jahren plante Regisseur Steven Spielberg bereits, einen Film über Lincoln, den 16. Präsident der USA zu machen. Nach vielen Verzögerungen und genauer Terminauswahl kommt das historische Politdrama nun endlich ins Kino – zufällig so, dass es für die Jurys des Golden Globe und des Oscars ins Blickfeld geriet. Im Fokus stehen nicht so sehr die Kriegshandlungen (auch wenn man nach Spielberg-Filmen wie „Der Soldat James Ryan“ darauf hätte spekulieren können) und der Zustand des Landes, sondern Lincolns Kampf um die Abschaffung der Sklaverei. Dazu wird der Zuschauer umgehend in das Weiße Haus geschickt, der Haupthandlungsort dieses Filmes. Der gealterte und zerbrechlich wirkende Präsident, authentisch gespielt von Daniel Day Lewis, nutzt sein Talent zum Reden, um sowohl die Republikaner, als auch die gegnerischen Demokraten zu überzeugen. Doch er scheint gegen Windmühlen zu kämpfen, denn ständig bläst ihm harter Wind ins Gesicht. Die Gestaltung dieses Konflikts ist keine leichte Kost und vor allem der prompte Einstieg in das Lamentieren wirkt zunächst ermüdend und dröge. Erst allmählich bekommt man ein ungefähres Gefühl für die problematische Lage, wobei der Handlungsverlauf für US-Amerikaner und bewanderte Historiker sicher noch einen größeren Reiz ausmacht, als für diejenigen, der sich in US-amerikanischer Geschichte nicht so gut auskennen.

Sachlich gesehen, arbeitet Spielberg ein wichtiges Stück amerikanischer Geschichte auf, denn wie es dazu kam, dass die Sklaverei 1865 abgeschafft wurde, ist sicherlich interessant. Ein filmisches und durchgehend packendes Meisterwerk ist dem Routinier hinter der Kamera allerdings nicht gelungen. Auch wenn Daniel Day Lewis dem abgekämpften und dennoch gutherzigen Menschenfreund Lincoln viel Ausdruck verleiht und Tommy Lee Jones in seiner mürrischen Nebenrolle echte Glanzpunkte setzt, hapert es ein wenig an der Dramaturgie. Lincoln soll offenbar nicht nur als Politiker, sondern auch als Familienoberhaupt zur Geltung kommen. Allerdings wird dieser Aspekt dazu viel zu stiefmütterlich behandelt und es ist schade, dass Joseph Gordon-Levitt („500 Days of Summer“) dabei als Sohn Robert nur kleine Auftritte bekommen hat. Sally Field legt ihrerseits alle Hingabe in die Rolle der Ehefrau Molly, die immer wieder am Rand des Wahnsinns wandelt und sich theatralisch vor ihrem Mann gehen lässt. Weniger wäre hier letztlich mehr gewesen. „Lincoln“ ist die Charakterstudie eines einzelnen Menschen und das zu einer Zeit, als er seinen wichtigsten aber auch am schwersten zu erreichenden politischen Triumph hatte. Inhaltlich ist das zwar bedeutsam, aber für ein packendes Kinoabenteuer hapert es doch an der einen oder anderen Stelle. Ein Oscarregen am 24. Februar wäre daher wohl nicht gerechtfertigt und ist angesichts der Schlappe beim Golden Globe (ein Gewinn bei sieben Nominierungen) wohl sowieso schon etwas in die Ferne gerückt.

4 von 6 Sternen 

Kinostart: 24. Januar 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: 20th Century Fox

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Handlung: Dr. King Schulz ist Kopfgeldjäger und sucht sich am liebsten die dicken Fische aus. Die drei Brittle-Brüder könnten ihm ein besonders hübsches Sümmchen auf einen Schlag einbringen. Da gibt es allerdings ein Problem: Er weiß nicht, wie die Männer aussehen. Helfen soll der Sklave Django, den Schulz freikauft und zu seinem Gehilfen macht. Gemeinsam machen sie sich auf die Suche nach den Brittle-Brüdern und werden schnell fündig. Der erfahrene Kopfgeldjäger Schulz merkt schnell, dass auch Django ein Talent für die Jagd und das Erschießen gesuchter Verbrecher hat. Also macht er ihn zu seinem Partner und beschließt, ihm auch noch dabei zu helfen, seine Frau zu finden. Die ist als Sklavin an den reichen und exzentrischen Calvin Candie verkauft worden. Um überhaupt eine Chance zu haben, an Broomhilda heranzukommen, überlegen sich die Beiden einen raffinierten Plan und müssen sich redlich darum bemühen, Candie damit an der Nase herumzuführen.

Kritik: Es gibt so manche Filme, die werden am berühmten Namen ihres Regisseurs gemessen. Dieser bekannte Name lässt die Erwartungen und auch die Ansprüche steigen. Quentin Tarantino ist so einer, denn der Gedanke an Filme wie „Kill Bill“, „Pulp Fiction“ und „Inglourious Basterds“ lässt auch für neue Werke auf gute Unterhaltung hoffen. „Django Unchained“ hat jedenfalls viele bekannte Gesichter zu bieten, allen voran Christoph Waltz, der sogar an der Entstehung des Drehbuchs beteiligt war. Spielte er in „Inglourious Basterds“ noch den herzlosen Bösewicht, ist er hier die gute Seele des Filmes, was seine Leistung keinesfalls schmälert. Ihm zuzusehen, ist ein absoluter Spaß und sorgt für viele originelle Glanzpunkte in diesem Western. Ebenfalls in Hochform zeigt sich Leonardo DiCaprio als skrupelloser Calvin Candy. Er ist sozusagen der Widersacher von Waltz und immer wenn die beiden gemeinsam auf der Leinwand agieren, ist der Film auf seinen Höhepunkten. Doch auch der Weg zu dieser entscheidenden Begegnung ist gelungen: Blutige Schießereien und amüsante Slapstick-Einlagen wechseln sich ab und erzeugen beste Unterhaltung. Eher in die zweite Reihe rückt dabei Jamie Foxx, der in Filmen wie „Der Solist“ und „Ray“ glänzen konnte. Er spielt durchaus gut, doch die Rolle als gepeinigter Sklave gibt einfach nicht ganz so viel her, wie die anderen Charaktere. Er schiebt sich an der Seite von Waltz eher still durch die Handlung – auch wenn er eigentlich die Titelfigur ist. Eine beachtliche Leistung aufgrund der vielschichtigen Rolle liefert aber Samuel L. Jackson als treuer Diener, der eigentlich mehr Köpfchen als sein Herr hat und groteskerweise nicht viel von Schwarzen hält.

 Die hervorragende Besetzungsliste ist für „Django Unchained“ im Grunde schon die halbe Miete. Denn die Darsteller spielen sich gewissermaßen die Bälle zu und sorgen für tolle Situationen. Einige Slapstick-Einlagen wollen sich jedoch nicht so recht in das Gesamtbild einfügen. Vor allem wenn dann plötzlich Jonah Hill, die Ulknudel aus Filmen wie „Superbad“ und „21 Jump Street“, auftaucht und absolut deplatziert wirkt. Weiterer Wehrmutstropfen in dieser Tarantino-Hommage an den Spaghetti-Western ist der Ausklang des Filmes: Der Showdown des rund 200 Minuten langen Filmes ist noch nicht das Ende, doch da die stärksten und interessantesten Figuren von da an fehlen, ist auch die Spannung vorbei. Genau hier wird deutlich, dass die Titelfigur für sich allein, trotz der harten Vorgeschichte, die in kleinen Rückblenden gezeigt wird, nicht den Film tragen kann. Tarantinos Faible für Racheakte von schwer Gepeinigten muss auch hier seinen Raum finden, wirkt aber ein wenig wie die Pflicht, nachdem die Kür bereits erledigt ist. Abgesehen davon ist „Django Unchained“ ein gelungener Film, der den hohen Ansprüchen weitestgehend gerecht werden kann. Der Regisseur schildert eindrücklich, welche ungerechte Behandlung Schwarze früher über sich ergehen lassen mussten. So manches Mal fällt es einem schwer, da gelassen zu bleiben. Aber um auf die damaligen Missstände aufmerksam zu machen, ist dieses Vorgehen die beste und effektivste Methode. Das muss man Tarantino lassen: Er weiß das Medium Film für seine Botschaften zu nutzen, wie wenige andere Regisseure. In gleichem Maß zu unterhalten, ist umso respektabler und macht „Django Unchained“ zu einem absolut lohnenswerten Kinoerlebnis.

5 von 6 Sternen 

Kinostart: 17. Januar 2013

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Copyright Poster + Trailer: Sony Pictures

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Handlung: Randale Ralph hat im Videospiel eine klare Aufgabe: Er zerstört den Wohnblock, in dem die eierköpfigen Männchen wohnen, nur damit kurz darauf Titelheld Fix-it-Felix mit seinem magischen Hammer auftaucht und die Schäden wieder repariert. Ralph nimmt seine Arbeit ernst, doch was ihn stört: Auch nach Feierabend ist er für alle der Bösewicht, der abseits auf der Müllkippe leben muss und von allen Festen ausgeschlossen wird. Doch eines Tages hat der große Kerl mit der Latzhose und den übergroßen Händen die Nase voll: Er will ein Held sein und endlich die Anerkennung bekommen, die er verdient. So beschließt er, sich in einem anderen Videospiel eine Helden-Medaille zu ergattern. Dieser Plan gelingt tatsächlich. Doch dann gerät er versehentlich in das bunte Spiel “Sugar Rush”, in dem ihm die kleine Vanellope von Schweetz seine Medaille abluchst. Sie benutzt sie, um am nächsten Rennen teilzunehmen. Was sie damit sucht, ist das gleiche wie Ralph: Anerkennung.

Kritik: Lange ist es her, dass 8-bit-Videospiele Kinderherzen höher schlagen ließen. Da reichten pixelige Figürchen die starr durch die Gegend hüpften. Eine Hommage an genau solche Spiele ist der neue Disney-Animationsfilm “Ralph reicht´s” für den sich der Regisseur Rich Moore (“Die Simpsons”, “Futurama”) verantwortlich zeichnet. Denn das Spiel “Fix-it-Felix” ist genau in dieser Zeit stehengeblieben. Als beliebter Klassiker konnte es seinen Platz im Spielecenter über 3 Jahrzehnte hinweg verteidigen. Der Blick, den der Zuschauer in Videospiel-Automaten werfen kann, ist originell, witzig und sprüht nur so vor bunten Ideen. Die Entscheidung, diesen Film in 3D anzulegen, war eindeutig die richtige, gerade angesichts der bunten weiten Videospielwelten mit wilden Fahrten und Verfolgungsjagden. Aber nicht nur visuell kann “Ralph reicht´s” überzeugen: Es steckt eine gute Geschichte hinter dem Ganzen, eine, die typisch Disney zu unterhalten weiß.

Lachen und Weinen wechseln sich ausgewogen ab, was eben auch an den einfallsreichen und zu Herzen gehenden Figuren liegt: Ralph, im Original mit der Stimme von John C. Reilly (“Der Gott des Gemetzels”), im Deutschen mit der von Christian Ulmen, ist natürlich kein klassischer Bösewicht, sondern eigentlich einer von den Guten. Was er nun mal gut kann, ist kaputt machen, und das prädestiniert ihn für den rabiaten Job. Sein Wunsch, ein Held zu sein, ist also vielmehr eine innere Reise, als die tatsächliche Veränderung seiner Persönlichkeit. Die kleine Vanellope mit Herzchen und Sternchen im Haar, ist der knuffige “Oh-wie-süß”-Faktor im Film (ähnlich wie Buh in der “Monster AG”) und mit ihrer Geschichte fast mehr Titelfigur als Ralph. Als ungleiches Gespann sorgen sie für eine niedliche Geschichte rund um Freundschaft und Zusammenhalt. Weitere Figuren füllen Nebenhandlungen auf und sorgen für alles – außer Langeweile. Egal ob 12, 32 oder 52 Jahre alt: So ziemlich jeder, der schon einmal ein Videospiel gespielt hat, wird etwas wiedererkennen und sich daran erinnert fühlen. Die Spiele, die im Mittelpunkt stehen, wurden allerdings extra für den Film erdacht und kreieren somit eine eigene, neue Welt. Allerdings konnte Disney in dieses Setting wunderbar Werbepartner einbinden – sehr dezent kommt das nicht daher, sondern eher ziemlich plump. Doch das tut dem Filmspaß, der sich ausgerechnet auf ein Konkurrenzmedium konzentriert, keinen Abbruch. “Ralph reicht´s” ist ein Volltreffer für so ziemlich jede Zielgruppe – dank frecher, moderner Sprüche im bewährten Erzählmuster in klassischer Disney-Manier.

Kinostart: 6.Dezember 2012

Sechs von sechs Sterne

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Handlung: Marty ist Drehbuchautor, aber der große Erfolg lässt noch auf sich warten. Hoffnung setzt er nun in seine Idee mit dem Titel „7 Psychopathen“. Leider ist der Titel bisher das einzige, was er zu Papier gebracht hat. Ein Grund dafür ist vor allem sein Alkoholkonsum, der ihn die Tage mehr schlecht als recht bewältigen lässt. Doch zum Glück gibt es da noch Martys Kumpel Billy, der nicht nur interessante Episoden von Psychos zu berichten weiß, sondern sich auch selbst reichlich ungewöhnlich verhält. Zusammen mit seinem Kumpanen Hans entführt er nämlich Hunde, nur um beim unverfänglichen Zurückgeben des geliebten Zweibeiners großzügigen Finderlohn zu kassieren. Doch dann entführt das Duo den falschen Hund, nämlich den Shih Tzu Bonny. Ihr Besitzer ist der Gangsterboss Charlie, der ebenfalls psychopathische Züge aufweist und gar keinen Spaß versteht, wenn es um seine geliebte Hundedame geht. So sehen sich Billy und Hans schnell unter Druck gesetzt und als dann auch noch der unschuldige Marty in die Sache hineingezogen wird, ist das Chaos perfekt.

Kritik: In vielen Filmen geht es um den Kampf zwischen Gut und Böse und so manches Mal ist der böse Bube ein Psychopath, der dem Publikum mit diabolischen Handlungen das Fürchten lehrt. In Martin McDonaghs Regiewerk „7 Psychos“ besteht das Ensemble fast vollständig aus Psychopathen und sie sind nicht nur teuflisch sondern oftmals ganz menschlich und voller Schwachpunkte. Auf diese skurrilen Figuren und ihre Geschichten baut die Komödie auf und hat dabei vor allem witzige und pointierte Dialoge zu bieten. Wie schon in seinem Regiedebüt „Brügge sehen und sterben“ holte sich McDonagh erneut Colin Farrell ins Boot und macht ausgerechnet aus dem coolen Haudegen das Unschuldslamm des Filmes. Einer der wenigen Nicht-Psychopathen, der aus den Ereignissen um sich herum allerhand für sein Drehbuch filtert. Diese Rolle ist ungewohnt für Farrell, da er sicherlich auch einen prima Psychopathen abgegeben hätte. Als ängstlicher Pazifist Marty kann er eigentlich nur durch das gekonnte Zusammenspiel mit Sam Rockwell und Christopher Walken punkten.

Die Beiden machen ihren Job aber umso besser. Die Dialoge sind vor allem in der Originalversion bissig und amüsant. Dazu gesellt sich dann noch Woody Harrelson, der für die Rolle des Hundevernarrten aber sonst eher gnadenlosen Gangsters wie geschaffen ist. Er ist auch Teil einer eher emotionalen Szene, von denen es trotz des derben Humors ebenfalls einige gibt. Auch in den Nebenrollen gibt es bekannte Gesichter zu sehen, wie Bond-Girl Olga Kurylenko, Abbie Cornish („Ohne Limit“) oder „Precious“-Star Gabourey Sidibe. Dieses starke Ensemble macht „7 Psychos“ zu einem echten Vergnügen, da so ziemlich jeder eine echte Type spielen kann. Sie sind eingebettet in die Idee, eine Film-im-Film-Situation aufzubauen. Einerseits schlittert Marty tatsächlich in allerhand Situationen und Abenteuer, andererseits verarbeitet er einiges davon in sein Drehbuch, dass er eigentlich nur auf dieser Erzählebene anfertigt. Dennoch werden manche Szenen von seiner Off-Stimme begleitet, die kommentieren, als seien wir plötzlich in seinen Film gesprungen, der erst durch die Ereignisse entstanden ist. Ein Manko ist, das „7 Psychos“ gegen Ende nachlässt. Der Wechsel in die Wüste birgt zwar noch einige nette Ideen, bringt aber auch leichte Längen mit sich. Dafür gibt es aber immerhin zwei ganz unterschiedliche Showdowns und jeder kann sich selbst entscheiden, welcher davon ein besseres Ende für die Psychopathen darstellt.

Kinostart: 6. Dezember 2012

5 von 6 Sternen

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Handlung: Es ist inzwischen viele Jahre her, dass Sharon dem Horror in Silent Hill entkommen und zu ihrem Adoptivvater Harry zurückkehren konnte. Nun ist das Mädchen 18 geworden und soll unter dem Namen Heather ein ganz normales Leben als Schülerin führen. Doch immer wieder plagen sie Albträume, in denen sie an düsteren Orten auf furchteinflößende Kreaturen trifft. Sogar am Tag hat sie Visionen, in denen sich ihre Umgebung bedrohlich verändert. Als Harry verschwindet, sucht sie nach Hinweisen und schnell wird ihr klar, dass sie etwas nach Silent Hill locken will. Gemeinsam mit ihrem neuen Mitschüler Vincent macht sie sich auf den Weg an den Ort, der ihr Schicksal zu sein scheint.

Kritik: Sechs Jahre ist es her, dass der Film zu der Videospielreihe „Silent Hill“ ins Kino kam und vor einem strengen Publikum bestehen musste. Die vereinfachte Erkenntnis: Die gruseligen Empfindungen, die das Spielen verursachte, sind nicht ohne weiteres auf einen Film übertragbar. Dennoch sind Produzenten und Regisseure nicht müde, es weiter zu versuchen. Die Fortsetzung „Silent Hill Revelation 3D“ knüpft thematisch an Teil 1 an und bedient sich gleichzeitig der Figuren aus dem 3.Teil der Videospiele. Hieraus nun eine stimmige Geschichte zu machen, die dennoch auch für Neulinge ohne Vorwissen geeignet ist, war die große Herausforderung. Regisseur Michael J. Bassett konzentrierte sich einfach mehr auf die Visualisierung der Welten und lässt Hauptdarstellerin Adelaide Clemens verschreckt durch allerlei Gänge und Flure schreiten, in denen skurrile Monster sie verfolgen. Grundsätzlich ist das zwar unheimlich, aber zum richtigen Erschrecken reicht es nicht so recht. Die Kreaturen sind so stilisierte Hommagen an das Spiel, dass sie aus einer gewissen Distanz betrachtet werden können. Zudem wird so viel im Überfluss und in solcher Eile gezeigt, dass es keine Geheimnisse mehr gibt, kein Horrorszenario, das sich im Kopf des Zuschauers abspielen kann. Der 3D-Effekt ist eine nette Zugabe, ändert an dieser Tatsache aber nicht viel. Die überzogenen „Schaut mal her, da kommt was auf euch zu“-3D-Beigaben sind zudem unnötig.

In all diesem Wust von wilder Action, zum Teil grotesk animierter Kreaturen und ständig wechselnder Kulisse kommen die Darsteller zu kurz. Am ehesten heben sich noch Sean Bean („Spieglein Spieglein – Die wirklich wahre Geschichte von Schneewitchen“) als fürsorglicher Vater und Malcom McDowell als irre wirkende Schlüsselfigur ab. Adelaide Clemens, die wie eine jüngere Michelle Williams aussieht und Kit Harington sollen als junges Paar wohl die jüngere Zielgruppe ins Kino locken. Carrie-Anne Moss (bekannt aus der „Matrix“-Trilogie) wirkt als weißhaarige Ordensführerin wie eine skurrile Mischung aus der weißen Königin aus „Alice im Wunderland“ mit bösartigen Zügen und einer Elbin aus Mittelerde. Insgesamt ist „Silent Hill Revelation 3D“ nur für die Leute etwas, die zumindest Teil 1, besser noch die Spielereihe kennen. Das wird auch dadurch deutlich, dass kleine Rückblenden aus der Vorgeschichte erst nach über der Hälfte des Filmes kommen –für Neulinge viel zu spät. Fans fühlen sich zwar sicher an die Spielewelt erinnert, aber ein flüssiger Film mit tiefergreifender Handlung ist nicht entstanden. Schade eigentlich, denn der Horror von Silent Hill birgt so viel Potential. Die Adaption von Bassett zeigt aber, dass Animationstechnik, computergenerierte Landschaften und 3D-Technik noch lange keinen guten Film machen. Die vorhersehbare Handlung nach einem durchschaubaren Muster verursachen Minuspunkte.

Kinostart: 29. November 2012

3 von 6 Sternen

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Copyright Poster + Trailer: Concorde Filmverleih

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Handlung: Victor Frankenstein ist ein introvertierter Junge mit einem besonderen Interesse für Wissenschaft. Seine Eltern – vor allem sein Vater – wünschen sich, dass er mehr mit Freunden unternimmt, doch Victor hat eigentlich keine Freunde, abgesehen von seinem Hund Sparky. Der ist sogar sein bester Freund und erweist sich in allen Lebenslagen als treuer Gefährte. Als Victors Vater seinen Sohn dazu bewegt, Baseball in der Schulmannschaft zu spielen, geschieht das Unglück: Sparky läuft während eines Spiels einem Ball hinterher und wird von einem Auto überfahren. Victor ist untröstlich aber schöpft neue Hoffnung, als der Physiklehrer der Klasse vorführt, wie ein totgeglaubter Frosch mit Strom wiederbelebt werden kann. Der kleine Junge wiederholt das Experiment kurzerhand auf dem heimischen Dachboden mit den sterblichen Überresten von Sparky. Kann er sein geliebtes Haustier wieder zurück zu den Lebenden holen?

Kritik: Regisseur Tim Burton mag es in der Regel düster und gruselig. Neben Realfilmen wie „Dark Shadows“ und „Edward mit den Scherenhänden“ hat er auch ein Faible für Stop-Motion-Werke. Die bekanntesten Beispiele dafür dürften „Nightmare Before Christmas“ und „Corpse Bride – Hochzeit mit einer Leiche“ sein. Für die Langversion seines 1984 erschienen Kurzfilms „Frankenweenie“ arbeitete er nun mit Disney zusammen – nicht zum ersten Mal – und kreierte den gleichnamigen Stop-Motion-schwarz-weiß-Film in IMAX 3D. Burtons Handschrift ist in dieser Geschichte rund um den Jungen, der seinen verstorbenen Hund zurück ins Leben holen will und dadurch für eine wahre Horrorinvasion in seiner Stadt sorgt, klar zu erkennen: hagere Figuren, trostlose Gegenden und böse Fratzen. Allerdings ist der Kern der Handlung schnell erzählt, und der entspricht ziemlich genau dem, was Burton bereits vor 28 Jahren in Form eines Kurzfilmes drehte. Um die Geschichte zu verlängern wird ein weiterer Konflikt hinzugenommen, der sich darum dreht, dass bösartige Klassenkameraden von Victor seine Experimente mitbekommen und mithalten wollen. Dadurch ergeben sich Anlehnungen an berühmte Figuren der Horrorfilmgeschichte: von der Mumie, über Godzilla bis hin zu Dracula wird nichts ausgelassen. Die Idee dahinter ist zwar ganz witzig, aber man merkt doch, dass die Grundhandlung irgendwie erweitert werden sollte und daher springt der Funke nicht so recht über.

Außerdem schwankt der Film immer wieder zwischen Horror und Familienfreundlichkeit – also gewissermaßen zwischen Burton- und Disneyansprüchen. Es fehlt eine Entscheidung für eine Richtung und das verhindert auch die Entstehung eines homogenen Filmes. Manchmal glänzt er mit morbidem Galgenhumor, dann soll er wieder auf ganz konventionelle Weise rühren. Auch die überzeichneten Figuren mit überproportional großen Augen oder fratzenhaften Mündern haben keine ausgearbeiteten Charaktere, sondern erfüllen vorwiegend ihren klischeehaften Zweck im filmischen Geflecht. Alles in allem ist „Frankenweenie“ zwar recht unterhaltsam und nett anzusehen, doch völlig hinein zieht es einen als Zuschauer nicht. Sowohl Disney als auch Burton schlossen wohl so viele Kompromisse, dass der Film keine eigene Handschrift hat und gegen stimmungsvolle Werke wie „Nightmare Before Christmas“ nicht ankommen kann. Auch das Ende überzeugt nicht und zeigt die Unentschiedenheit von „Frankenweenie“ besonders deutlich. Tim Burton hat einen passablen Film mit schönen Ideen abgeliefert, aber klar ist auch, dass er hinter dem zurückgeblieben ist, was er eigentlich kann.

4 von 6 Sternen

Kinostart: 24. Januar 2013

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Disney

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Handlung: James Bond und seine Kollegin Eve sind in der Türkei auf der Jagd nach einer Festplatte, welche die Identität nahezu aller NATO-Agenten enthält. Doch während der Verfolgungsjagd mit dem französischen Söldner Patrice wird Bond von einer Kugel getroffen und fällt noch dazu von einem Zug in die Tiefe. Der Totgeglaubte lebt, will sich aber aus dem gefährlichen Geschäft als Geheimagent zurückziehen; doch dann erfährt er, dass auf das Hauptquartier des MI6 in London ein Bombenanschlag verübt wurde. Er hadert nicht lange mit sich und kehrt von der Abgeschiedenheit zurück an seinen alten Arbeitsplatz. Obwohl merklich eingerostet, setzt M immer noch viele Hoffnungen in Bond. So lässt sie ihn nach ein paar Standard-Tests wieder in den Dienst und schon bald hat er eine neue Spur zu der wichtigen Festplatte, die in der Türkei erneut verloren ging. So macht Bond sich auf den Weg nach Shanghai um seinen einst begonnen Auftrag doch noch zu beenden.

Kritik: Dieser Bond-Film beginnt so ungewöhnlich, wie wohl noch keiner vorher: Nach rund 15 Filmminuten deutet alles darauf hin, dass 007 gestorben ist. Doch lange muss sich der Zuschauer nicht mit dem schrecklichen Gedanken befassen, dass es das war mit dem wohl berühmtesten Geheimagenten der Filmgeschichte. Bond, der zum dritten Mal von Daniel Craig verkörpert wird, lebt. Wie er das geschafft hat, weiß keiner und bleibt auch irrelevant. Dieses Vorgehen ist keinesfalls eine Ausnahme in diesem Teil mit dem philosophisch anmutenden Titel “Skyfall”. Bei all der Action und den darin handelnden Personen stellt sich immer mal wieder die Frage, wie so etwas möglich ist, aber vielleicht ist das einfach Teil des Mysteriums Bond (für nicht so große Fans wäre diese Erklärung aber etwas dürftig). Obwohl 007 nach nur drei Monaten Pause ziemlich eingerostet und durch seine Verletzung gehandicapt ist, schlägt er sich bei seinen neuen Herausforderungen doch erstaunlich gut. Somit gibt es in diesem Bond-Film gewohnt viel Action, rasante Kämpfe, Verfolgungsjagden und auch ein paar Frauen. Das klassische Bond-Girl fehlt zwar, aber ganz ohne Sex muss der Agent dann doch nicht auskommen. Ganz im Gegenteil: Diesmal muss er sich sogar einem männlichen Bösewicht stellen, der die Hände nicht so recht von der Hauptfigur lassen kann, aber auch nur um ihn im Folgenden mit besonderer Härte zu jagen.

Damit wären wir auch beim absoluten Highlight von “Skyfall”: Der verrückte Gegenspieler, exzellent verkörpert vom Spanier Javier Bardem. Durch seine Rolle im Thriller “No country for old man” schon gewöhnt an furchtbare Frisuren und diabolische Züge, ist er hier erblondet und gibt den enttäuschten Ex-Agenten mit Super-Hirn so gut, dass es eine Freude ist, ihm zuzusehen. Bond hingegen bleibt gewohnt cool, nur als er an seine Kindheit erinnert wird, regen sich ein paar Gefühle in ihm. Überhaupt ist Nostalgie ein wichtiges Stichwort in diesem Bond-Teil, was wohl auch dem Umstand geschuldet ist, dass es den Geheimagenten nun 50 Jahre auf der großen Leinwand gibt. Wie gut altbewährtes ist, wird immer wieder betont und für Fans der Roger Moore und Sean Connery-Ära gibt es dazu einige Schmankerl. Alles in allem ist “Skyfall” ein ordentlicher und über weite Strecken spannender und unterhaltsamer Film geworden, aber noch lange kein Meisterwerk. Dazu gibt es viel zu viele Ungereimtheiten und Elemente, die so übertrieben sind, dass sie nicht zu einem richtig ernsthaften Film passen. Noch dazu ist Bond ungewöhnlich folgsam, kehrt nach seinem perfekten Ausstieg aus dem Geschäft schnell wieder zurück und verteidigt seine Chefin M bis aufs Blut. Damit ist er richtig handzahm und umgänglich geworden, der Spruch “im Dienst der Krone” passt mehr denn je und soll wohl Bonds Rachsucht und egozentrischen Alleingang aus den jüngsten vorangegangenen Teilen vergessen lassen. Vielleicht gehört auch das zu dem Leitgedanken “Altbewährtes hält am besten.”

Vier von sechs Sternen:

Kinostart: 1. November 2012

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Copyright Poster + Trailer: Sony Pictures

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Handlung: Robbie sieht aus wie ein schmächtiger Jugendlicher, den kein Wässerchen trüben kann. Doch eigentlich hat er es faustdick hinter den Ohren: Zwei Kerle hat er zusammengeschlagen und für dieses brutale Vorgehen muss er sich nun vor dem Richter verantworten. Er hat Glück: Er muss lediglich Sozialstunden ableisten. Mit ihm im Boot sitzen junge Menschen, die ebenfalls mit dem Gesetz in Konflikt gekommen sind: Die freche Mo kann das Klauen nicht lassen, Rhino erregt gerne öffentliches Ärgernis und uriniert beispielsweise auf Statuen und der dümmliche Albert ist betrunken auf die Bahngleise gefallen. Zum Glück gerät der missratene Trupp an den fürsorglichen Sozialarbeiter Harry. Der versteht Spaß und nimmt die Kids sogar zu einer Whiskey-Verkostung mit. Vor allem Robbie erkennt, dass er ein Faible für die feinen und Jahrzehnte lang gelagerten Tropfen hat. Als die Vier von einem besonders wertvollen Whiskey erfahren, kommt ihnen eine Idee, die das trostlose Leben im grauen schottischen Vorort um einiges erleichtern soll.

Kritik: Es ist ein Phänomen, dass man in vielen Ländern bei einem Teil der jungen Generation beobachten kann: Sie haben keine Lust, wenig Geld, geraten auf die schiefe Bahn und kommen kaum noch davon los. Regisseur Ken Loach widmet vier Exemplaren dieser Sorte einen eigenen Film, sucht sich frische Gesichter für die Rollen und lässt sie durch ein amüsantes Abenteuer schlittern. Im Fokus steht dabei ganz klar Robbie, der einst gewalttätig, nun ein anständiger Familienvater werden will. Doch die Vergangenheit holt ihn immer wieder ein. Nicht nur in Form der einstigen Opfer, die entweder noch eine Rechnung mit ihm offen haben oder die Konfrontation mit ihm suchen, um das eigene Schicksal besser zu verarbeiten, sondern auch in Form von Vorurteilen: Die Verwandten seiner Freundin sehen in ihm immer noch den Kleinkriminellen und stehen mit ihrem Vorgehen letztlich keinen Deut besser da als Robbie einst.

Eine Spirale aus Gewalt und Rache tut sich in dieser Phase des Films auf und der Zuschauer wird gezwungen, ziemlich tief in das problematische Leben des Protagonisten einzutauchen. Natürlich tut er einem leid, da er jetzt vorwiegend vernünftig und besonnen wirkt, der Schläger von früher blitzt nur durch, wenn er eigentlich nur seine Familie schützen will. Nachdem die lange Einführung in Robbies Person abgeschlossen ist, wird „Angel´s Share“ deutlich leichter. Das Interesse am Whiskey gibt dem Film eine völlig neue Perspektive und erweckt viel Spannung. Einem Roadmovie ähnlich entwickelt der Film nun viele komödiantische Elemente, die die Figuren zum Teil sehr liebenswert, zum Teil aber auch etwas albern erscheinen lassen.

Um den Kontrast zum harten Anfang noch zu erhöhen, kommt das Ende des Filmes eine ganze Spur zu kitschig und märchenhaft daher. Vor allem Hauptfigur Robbie ergeht es – gerade in Hinblick auf die detaillierten Schilderung seines Vorlebens und wie es ihn bis in die Gegenwart beeinflusst – sehr gut und als Zuschauer kommen einem unweigerlich Fragen, die unbeantwortet bleiben. Doch dem Filmgenuss muss das keinen Abbruch tun. Wer darüber hinwegsieht, dass sich harter Anfang und harmonisches Ende nicht vollends zusammenfügen, dem bleibt dennoch ein unterhaltsamer Film mit netten Ideen und einer Menge Augenzwinkern für das Verhalten und die Eigenheiten der kauzigen Figuren. Das macht nicht nur Spaß, sondern berührt auch angesichts der heiklen Thematik, die sich dahinter verbirgt und die trotz aller Komik geschickt mitschwingt.

Vier von sechs Sternen

Kinostart: 18. Oktober 2012

Trailer:

Copyright Poster + Trailer: Prokino

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Handlung: Die beiden Freunde Chon und Ben haben vor einigen Jahren gemeinsam die Droge Marihuana für sich entdeckt. Beim privaten Konsum ist es dabei nicht geblieben. Als Hobby-Botaniker züchteten die Jungs neue, effektivere Sorten und bauten damit ein stattliches Drogengeschäft auf. Seither führen sie ein sorgenfreies Leben im Luxus, dennoch teilen sie sich eine Frau: O (Abkürzung für Ophelia) ist die Dame ihres Herzens und gibt ihrerseits an, dass die Mischung aus den beiden sehr unterschiedlichen Freunden der perfekte und vollkommene Mann für sie sei. Doch die Idylle ist vorbei, als die mexikanische Drogenkönigin Elena Sánchez in die erfolgreichen Geschäfte von Chon und Ben einsteigen will. Denn als die sich heimlich absetzen wollen, um der aufgezwungenen Zusammenarbeit zu entgehen, wird O entführt. Nun haben die beiden Freunde nichts mehr zu verlieren und setzen alles daran, ihre große Liebe unbeschadet zurückzubekommen.

Kritik: Manche Filme führen sanft in die Handlung ein und gehen einen behutsamen Weg mit dem Zuschauer – andere Filme beginnen wie ein Paukenschlag. Eindeutig zu letzterer Sorte gehört “Savages”, das neue Werk von Regisseur Oliver Stone. Schon in den ersten paar Minuten gibt es eine Sexszene sowie einen Internetclip zu sehen, in dem ein ganzer Trupp Männer blutig geköpft wird. Genauso abrupt wie die Sunnyboys Chon und Ben aus ihrem bequemen Leben gerissen werden, so wird auch der Zuschauer regelrecht vor den Kopf gestoßen. Erst danach hilft O als Off-Erzählerin beim Verständnis des großen Ganzen, zeigt die Vorgeschichte und kommentiert auch im weiteren, zumeist rasanten Filmverkauf was passiert. Es ist eine ungewöhnliche Mischung, die sich dort abspielt: Im Kontrast zu Os philosophisch angehauchten Weisheiten und der Freude am Marihuana-Konsum steht die Rohheit der Charaktere, die für ihr persönliches Ziel allesamt über Leichen gehen.

Vor allem Salma Hayek als gefühlskalter Vamp und Benicio Del Toro als ihr Handlanger, der sadistischen Spaß an der Unterdrückung anderer hat, leisten dabei gute Arbeit und sind äußerst präsent in ihren Rollen. Dahingegen wirken Taylor Kitsch als kriegstraumatisierter obercooler Chon und Aaron Johnson (“Nowhere Boy”) als sozial engagierter Pazifist Ben fast ein wenig blass und die zuckersüße Blake Lively bleibt noch weniger in Erinnerung. Regisseur Oliver Stone nutzte diesen Drogenfilm wohl vor allem, um Themen aufzuarbeiten, die ihm selbst auf der Seele brannten. So hat er selbst ein Vietnam-Trauma, sieht sich andererseits auch als idealistischer Weltverbesserer. Dem “perfekten Mann”, wie O im Film die Mischung aus Chon und Ben nennt, wäre Stone also nicht unähnlich. Zudem hält der US-Regisseur  Marihuana für ein Gottesgeschenk, in dem er nur positiven Nutzen für die Menschheit sieht. Da verwundert es nicht, dass es im Film nahezu keine kritische Auseinandersetzung mit der Droge gibt. Obwohl sie für den ganzen Ärger sorgt, finden die drei verträumten Protagonisten wieder dorthin zurück. Nur an einer Stelle, nämlich als O mit ihrer Entführerin Elena ins Gespräch kommt und von ihren seit Jahren anhaltenden Konzentrationsschwächen spricht, wird deutlich, dass Marihuana Folgeschäden verursacht und eine Abhängigkeit mit sich bringen kann.

Diese Kritik kommt allerdings eindeutig zu kurz. Stattdessen setzt Stone auf Action und Gewalt, lässt die Konflikte der Parteien dabei mehr und mehr hochkochen und eskalieren. Das ist zwar zumeist spannend und unterhaltsam, aber der tiefere Sinn des Spektakels bleibt einem verborgen – eben weil eine kritischere Auseinandersetzung damit weitestgehend fehlt. Auch die Dreiecksbeziehung zwischen Chon, Ben und O erinnert vermehrt an die sorgenfreien Ideale der Hippi-Ära, und man bekommt das Gefühl, dass sich die Drei gerade wegen ihres vermeintlich erholsamen und befreienden Drogen-Konsums für das fragwürdige Konzept des Zusammenlebens entscheiden. Der Regisseur lässt ihnen die Freiheit und überspielt jede noch so brutale Gewaltszene mit Os geistreichen Gedanken aus dem Off. Einen gewissen Reiz macht dieser Kontrast zwar aus, aber letztlich lässt er das Geschehen auch in einem äußerst fragwürdigen Rahmen stehen. Einen Lerneffekt bietet “Savages” nicht, dafür können sich die bösen Buben der Handlung wie Del Toro, Hayek und John Travolta austoben und eindrucksvoll zeigen, mit welcher Grausamkeit die Menschen zu handeln in der Lage sind.

Vier von sechs Sternen:

Kinostart: 11. Oktober 2012

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Copyright Poster+ Trailer: Universal Pictures

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Handlung: Dodge ist doppelt arm dran: Nicht nur, dass wegen eines riesigen Asteroiden das Ende der Menschheit bevorsteht, er sieht den letzten Wochen auch noch alleine entgegen. Denn seine Frau hat ihn Hals über Kopf verlassen. Während er sich gerade damit abfindet, die noch verbleibende Zeit mit arbeiten und gemütlichen Abenden vor dem Fernseher zu verbringen, in dem eine Sondersendung den Countdown bis zum Asteroiden-Aufprall runterzählt, sitzt seine Nachbarin Penny heulend vor seinem Fenster: Alles was sie wollte, war zur Familie zu reisen, doch sie hat den letzten Flug dorthin verpasst. Dodge tröstet sie und als einige Tage später Plünderer in das Appartement-Haus einfallen, rettet er sie. Sie beschließen, gemeinsam zu reisen: Die quirlige Penny will zu ihrer Familie, Dodge zu seiner ersten großen Liebe Olivia. Auf dem Weg dorthin erlebt das ungleiche Paar eine ganze Menge.

Kritik: Der Weltuntergang ist angesichts der Klimaerwärmung, Umweltverschmutzung und Atomwaffen kein völlig abwegiges Thema. Daher fühlen sich auch immer wieder Regisseure dazu berufen, diese Bedrohung zu visualisieren. Fernab von Science-Fiction und Horror ist nun eine ganz andere Variante in die Kinos gekommen: Die Regisseurin Lorene Scafaria nimmt die letzten Wochen der Menschheit in den Blick und erzählt dabei eine herzerwärmende und dennoch nie zu kitschige Liebesgeschichte. Das ungleiche Paar, das eigentlich so ziemlich nichts gemeinsam zu haben scheint, wird von Steve Carell (aktuell auch in der Liebeskomödie „Wie beim ersten Mal“ zu sehen) und Keira Knigtley („Fluch der Karibik“) dargestellt. Er ist der etwas biedere und unauffällige Versicherungs-Agent, den das Ende der Welt offensichtlich nicht sonderlich schrecken kann. Sie hingegen ist die quirlige und lebensfrohe Träumerin, die bei der Flucht auf jeden Fall ihre Lieblingsplatten retten will. Die beiden spielen ihre Parts wunderbar und der Roadtrip zu den vermeintlich wichtigsten Menschen in ihrem Leben, ist eine Mischung aus Komödie und Drama.

Sie treffen dabei Menschen, die symbolisch für die unterschiedlichen Varianten stehen, wie man mit dem baldigen und unverrückbaren Weltende umgehen kann: Vom vorzeitigen Tod, über wilde Orgien inklusive hemmungslosem Drogenkonsum bis hin zum Rückzug in einen Bunker, um das Inferno zu überstehen und danach die Gattung Mensch neu aufzubauen. Dabei werden all diese Modelle so sanft, fast beiläufig eingestreut, dass sich ihre Bedeutung erst im Nachhinein entfalten. Gastauftritte gibt es durch diese Nebenhandlungen beispielsweise für Martin Sheen, Adam Brody („Mr. & Mrs. Smith), Melanie Lynskey (die Rose aus „Two and a half men“) sowie Patton Oswalt (Spence aus “King of Queens”). Im Mittelpunkt steht aber die Beziehung zwischen Dodge und Penny. Dabei schwingt die Ironie mit, dass sie erst angesichts des Weltendes und der damit verbundenen Ausnahmesituation zueinander finden. Ohne diese Katastrophe wären sie wohl Nachbarn geblieben, die nie auch nur ein Wort miteinander gesprochen hätten. Doch das schmälert die Reinheit dieser Liebesgeschichte kein bisschen. Stattdessen lässt sie einen immer wieder vergessen, dass es keine Zukunft für die Beiden und keine Rettung für sie oder einen anderen Menschen gibt.

Wenn es einem dann doch wieder bewusst wird, rührt es zutiefst und zwangsläufig kommt der Gedanke in einem hoch, wie man selbst in so einer Situation handelt würde. Wo will man die letzten Wochen verbringen und mit wem? Was will man unbedingt noch erleben, bevor es zu Ende ist? Das Regiedebüt von Lorene Scafaria ist eine durch und durch gelungene Endzeitromanze. Sie vereint komödiantische Road-Trip-Elemente mit Drama und Liebesfilm und schafft damit einen äußerst berührenden Film. Von der ersten Minute an ist klar, worauf dieser Film hinausläuft und dennoch gibt es reichlich Möglichkeiten, was den Figuren bis dahin noch passiert. Vor allem Steve Carell in seiner tragischen Rolle, genießt das späte aber für ihn vollkommene Glück auf eine zurückhaltende und dennoch wirksame Weise. Trotz – oder gerade wegen – des tragischen Hintergrunds, entfaltet sich in „Auf der Suche nach einem Freund fürs Ende der Welt“ eine der schönsten Liebesgeschichten seit langem und wenn die Leinwand schwarz wird, hält es einen für eine Weile noch verzaubert auf dem Sitz.

Kinostart: 20. September 2012

6 von 6 Sternen

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Handlung: Arnold und Kay sind seit 31 Jahren miteinander verheiratet: In dieser Zeit haben sie – inzwischen erwachsene – Kinder in die Welt gesetzt und sich einen gewissen Lebensstandard inklusive geräumigem Haus aufgebaut. Doch Kay ist unglücklich, denn ihr fehlt etwas in der Ehe mit ihrem Mann: Nähe, Aufmerksamkeit und Zärtlichkeit. Denn das Paar schläft nicht mal mehr in einem gemeinsamen Bett und hat sich in der alltäglichen Routine immer mehr voneinander entfremdet. Doch dann findet Kay den Ratgeber des Paartherapeuten Dr. Feld. Kurzerhand entschließt sie, bei ihm eine Therapie zu buchen. Obwohl der mürrische Arnold zunächst dagegen ist, lässt er sich schließlich doch darauf ein und arbeitet seiner Frau zuliebe an der Ehe. Doch ganz so einfach ist es nicht, die Versäumnisse vieler Jahre aufzuholen. Plötzlich ist das Paar wieder so unbeholfen, als hätte es sich gerade erst kennengelernt.

Kritik: Manchmal braucht ein Film nicht viele Zutaten, um zu verzaubern. Dann reichen ein konstanter und klarer Handlungsstrang und eine Handvoll guter Darsteller. In diese Kategorie fällt auch der Beziehungsfilm „Wie beim ersten Mal“. David Frankel, dessen Regie-Repertoire mit Filmen wie „Der Teufel trägt Prada“ und „Marley & ich“ sowie Serien wie „Rome“ und „Band of Brothers“ ziemlich breit gefächert ist, holte sich für seine bezaubernde Mischung aus Drama, Komödie und Romanze zwei exzellente Hollywood-Größen vor die Kamera: Meryl Streep („Die eiserne Lady“) und Tommy Lee Jones („Men in Black“) geben das Paar mit dem eingeschlafenen Eheleben perfekt. Von Anfang bis Ende überzeugen die beiden in ihren Rollen – sie als gutmütige und bemühte Frau, die ihre Ehe wiederbeleben will und er als verschlossener Part, der es nicht einsieht, sich einem Therapeuten gegenüber zu öffnen. Verständnis bringt man für beide auf und egal wie alt oder jung man selbst ist – so ziemlich jeder, der in einer Beziehung steckt, oder längere Zeit gesteckt hat, wird sich in irgendeiner Passage wiederfinden.

Steve Carell als unterstützenden Psychologen einzusetzen war mutig von Frankel. Denn nach seinen Blödelrollen wartet man bei dem Blick in sein Gesicht förmlich darauf, dass er eine Grimasse zieht oder einen witzigen Spruch loslässt. Doch hier kann er sich mal von einer anderen Seite zeigen, bietet Streep und Jones aber vor allem Vorlagen für deren große Auftritte und Streitgespräche. Wie die zeitweise unbeholfen, zeitweise überfordert versuchen, ihrer langjährigen Ehe wieder Pfeffer zu geben, ist einfach wunderbar mitanzusehen. Mal bringt es zum Schmunzeln, dann wieder rührt es zu Tränen. „Wie beim ersten Mal“ hat einen klaren Ablauf ohne Verwirrungen oder extrem große Überraschungen, doch genau das hat der herrlich ehrliche Film auch nicht nötig.

Wer besonders kritisch ist, kann nun anbringen, dass hier eine geradezu musterhafte Eheberatung abgearbeitet wird, um in vorhersehbarer Weise zu funktionieren. Natürlich läuft es so nicht immer, doch in Fußnoten wird das im Film auch immer mal wieder angemerkt. Der gewählte Weg hält dennoch genug Stolpersteine bereit und das Gesamtpaket überzeugt, dank der wunderbaren Darsteller, die mit der richtigen Portion Sensibilität an das Thema herangehen. Dank ihnen wird das Gezeigte auch zu keinem Zeitpunkt zu albern. Da Liebe, Sex und Beziehung jeden betreffen, kann sich auch jeder etwas daraus mitnehmen – egal ob er 60, 40 oder erst 25 ist.

Kinostart: 27. September 2012

5 von 6 Sternen

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Handlung: Sacha ist mit dem Verlauf seines Lebens vollauf zufrieden: Er schreibt Werbejingles, feiert mit seinen Kumpels jeden Abend in der Bar rauschende Feste und da er am Klavier ein Virtuose ist, liegen ihm genügend Frauenherzen zu Füßen. Ganz nebenbei sorgt die tolerante und liebende Mutter für Ordnung in der großzügigen Junggesellen-Bude. Von Ehe und Kindern hält der Lebemann wenig, lieber genießt er das Leben als ungebundener Sunnyboy. Doch dann verändert eine einzige Begegnung alles: Er stößt mit der hübschen Charlotte zusammen und schon innerhalb kürzester Zeit landen die Zwei im Bett. Erst danach erfährt Sasha, dass sie die Noch-Frau eines reichen und einflussreichen Geschäftsmannes ist und noch dazu drei Kinder hat. Ehe Sacha es sich versieht, steckt er mitten drin in Charlottes Familienleben. Doch er arrangiert sich erstaunlich gut mit diesem Wunsch – bis ihr Nochmann von der Beziehung erfährt.

Kritik: Verrückt vor Liebe – die etwas theatralische Floskel für hoffnungslos Verliebte findet in der französischen Liebeskomödie „Und nebenbei das große Glück“ volle Anwendung. Denn angesichts der großen Gefühle spielen hier so ziemlich alle Beteiligten verrückt. Allen voran Hauptdarsteller Gad Elmaleh, der in seiner Heimat ein gefeierter Comedian ist. Damit erklärt sich auch schon, wie ein Teil seiner Rolle angelegt ist: klamaukig. Zusammen mit seiner Auserwählten Sophie Marceau tappt er quasi von einem Missgeschick ins Nächste – wirklich lustig ist das nicht, vor allem nicht, nachdem man sich als Zuschauer schon auf das Wiederkehren der peinlichen Szenen eingestellt hat. Dadurch fällt es außerdem schwer, die Geschichte zwischen Sacha und Charlotte wirklich ernst zu nehmen und mitzufühlen. Vor allem um Marceau tut es einem leid. Das ehemalige Bondgirl wird immer wieder aus ihrem sensiblen Spiel herausgerissen, um zu stolpern, zu fallen oder Grimassen der Überraschung zu machen. Ernste und lustige Elemente wollen sich einfach nicht zusammenfügen.

Dazu kommt die inhaltlich schwache Handlung: Ein überzeugter Junggeselle wird mir nichts dir nichts zum besten Freund von drei Kindern und um doch noch den nötigen Konflikt zu schaffen, muss der machtbesessene und eiskalte Ex anrücken – auch um einen Kontrast zum ach so guten Sacha darzustellen. Als absolut nervig erweist sich zudem sein bester Freund Laurent, der mit seiner hyperaktiven und respektlosen Art eher zu beschämtem Schweigen anstatt für Lacher sorgt. Besonders schön ist es auch, dass die Beziehung zwischen Sacha und Charlotte größtenteils auf Sex fußt, alles andere, wie beispielsweise Gemeinsamkeiten und gute Gespräche, ist Nebensache. Für einen französischen Film, der oft mit Wortwitz und tiefgründigen Gesprächen zwischen den Beteiligten (mit Vorliebe bei Wein und gutem Essen) punktet, besonders ungewöhnlich.

Es gibt nur wenige Szenen, in denen „Und nebenbei das große Glück“ überzeugt und verzaubert. Beispielsweise dann wenn Klamauk und Klischees mal abgelegt werden und die schöne Klaviermusik zum Tragen kommt. Gad Elmaleh und Sophie Marceau spielen nicht schlecht, doch sie können über die Oberflächlichkeit ihrer Rolle selten herauswachsen. So schafft es diese französische Liebeskomödie nicht mal ansatzweise zu überzeugen – Elmaleh ist viel zu oft bloß ein Clown, daher nimmt man ihn auf der anderen Seite den leidenden Verliebten nicht ab. Ähnlich ergeht es Marceau, die ebenfalls viel zu viel blödeln muss. Statt eines mitreißenden, stimmigen und originellen Liebesfilmes ergeben sich eine Anreihung von Sketch-Einlagen und der misslungene Versuch, diese mit einer gefühlvollen Handlung zusammenzufügen. Die berührenden Momente sind eher die Ausnahmen und daher vermittelt dieser Film von Regisseur James Hunt – auf dessen Konto bisher noch keine großen Erfolge gehen – nicht das „große Glück“.

Kinostart:  20. September2012

2 von 6 Sternen

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Handlung: Hayley und Michelangelo haben sich während ihres Rom-Urlaubs kennen und lieben gelernt, nun ist es Zeit, dass sich ihre Eltern miteinander bekannt machen. Hayleys Vater Jerry ist wenig begeistert, bis er Michelangelos alten Herrn unter der Dusche singen hört. Diese wunderbare Tenorstimme verdient es, auf die großen Bühnen der Welt zu kommen. Doch da gibt es ein Problem: Giancarlo kann nur unter der Dusche seiner Stimmgewalt freien Lauf lassen. Unterdessen trifft das frisch verheiratete Paar Antonio und Milly in Rom ein. Doch statt ihre Flitterwochen gemeinsam zu verbringen, geraten sie in einige skurrile Situationen, die mit allerlei sexuellen Abenteuern einhergehen. Nur unweit entfernt erhalten Jack und Sally Besuch von ihrer Freundin Monica. Obwohl er es nicht darauf anlegt, übt sie eine immer stärker werdende Anziehung auf Jack aus. Ebenfalls in einem beschaulichen Winkel von Rom erlangt der unbedeutende Angestellte und Familienvater Leopold über Nacht unerklärlichen Starruhm. Obwohl er kaum weiß, wie ihm geschieht, gewöhnt er sich zusehends an die überschwängliche Aufmerksamkeit.

Kritik: Trotz seines stolzen Alters von 76 Jahren kann Woody Allen das Filme machen nicht lassen. In seinem jüngsten Film nach „Midnight in Paris“, der ihm sogar einen Oscar einbrachte, stand er zudem nicht nur hinter, sondern auch vor der Kamera. Eine gute Entscheidung, denn als kauziger und experimenteller Opernregisseur Jerry ist er eine der unterhaltsamsten Figuren des Films. Nachdem sich Allen bereits filmisch in Barcelona, Paris und London austobte, wählte er nun Italiens Kulturhauptstadt, um Dinge zu erzählen, die doch universelle und weltumspannende Gültigkeit haben sollen. Alle vier Episoden von „To Rome with love“ beschäftigen sich mehr oder weniger stark mit der Lust und Last des Berühmtseins; dem Wunsch, sich in der Welt voller Menschen abzuheben und etwas darzustellen.

Am stärksten ist dabei die Geschichte, die damit noch am wenigsten zu tun hat. Der Grund dafür ist vor allem beim Darsteller-Ensemble zu suchen: Jesse Eisenberg („Facebook“) und Ellen Page („Inception“) bilden ein bezauberndes Pärchen, bei dem man nur darauf wartet, dass endlich etwas zwischen ihnen passiert. Originell ist auch die Idee, dass eine Art gealterter Jack (gespielt von Alec Baldwin) dem Treiben als imaginärer Ratgeber erneut beiwohnt und trotz seiner Warnungen nichts am Verlauf ändern kann. Eher wie Slapstick-Einlagen, statt als zu Herzen gehende Geschichten, wirken dagegen die übrigen Handlungen. Vor allem die plötzliche Berühmtheit, die Leopold erlebt, schwankt zwischen Unterhaltsamkeit und Lächerlichkeit. Die Botschaft, die dahinter steckt, schimmert zwar durch, wird aber gnadenlos so sehr überzeichnet, dass dies ein wenig auf der Strecke bleibt.

So kommt „To Rome with love“ wegen einem Problem leicht ins Straucheln, das viele Episodenfilme haben: Durch die Fülle an Handlungssträngen fällt es schwer, in eine Geschichte vollkommen einzutauchen. Zudem gibt es stärkere und schwächere Episoden, damit einhergehend verfolgt man die eine mit mehr Spannung und Interesse als die andere. An seinen Erfolg mit „Midnight in Paris“, der über die Gesamtstrecke zu verzaubern schaffte, kann Allen mit seinen Liebesgeschichten in Rom nicht anknüpfen, dafür sind die vier Episoden einfach zu unausgewogen. Auf der anderen Seite kann sich jeder aus dem Film das herauspicken, was ihm zusagt. Grund zum Schmunzeln gibt es dank der skurrilen Ideen immer wieder, die flotten Dialoge sind in gewohnter Woody Allen-Komödien-Manier bissig und unterhaltsam. Der Film flimmert gemütlich an einem vorbei und hat durchaus starke Momente mit guten Darstellern, aber ein homogenes und durchgehend überzeugendes Gesamtwerk will sich daraus nicht ergeben.

Kinostart: 30. August 2012

4 von 6 Sternen

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